Más allá de toda especulación o tendencia en las artes visuales, la pintura artística, se diferencia de cualquier otro tipo de pintura, en que su práctica no corresponde necesariamente a una demanda, sino a la búsquela personal de un mensaje visual, que trascienda al material usado en sí, emergiendo detrás de las formas y los colores y sus tonalidades, un contenido que invite al espectador a explorar un camino que se recorre a través de las manos del mismo pintor. Siempre basándose en las técnicas elementales de la pintura como lo es la composición, el equilibrio, ritmo, forma, color y valor. La pintura es la expresión de ideas, pensamientos y sentimientos en el papel, madera, paredes etc. Para esto el pintor necesita una habilidad para pintar y además una situación en que se base, es decir, un conflicto, problema, o situación en la que este se encuentre. Estas técnicas basadas en naturalezas matemáticas han sido perfeccionadas a lo largo de la historia por todas las grandes civilizaciones conocidas, y sus profundos conocimientos han sido siempre aplicados a consciencia por la mayoría de los grandes pintores que han trascendido en sus obras.
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Historias de Arte en Podcast
En Historias de Arte en Podcast, van a oír todo acerca de sus obras de arte y artistas favoritos. Para nosotras no hay nada más apasionante que investigar y enseñar lo que hay detrás del arte más famoso del mundo, cada episodio es una historia diferente, hablamos de pinturas, artistas, sus fascinantes vidas, como se hicieron famosos, o si no se hicieron famosos en vida, dónde estudiaron, las rivalidades que muchas veces surgieron y surgen entre ellos...en fin, queremos mostrar lo humano de cada obra de arte y que pasen un buen rato. Para muchos, la historia del arte es aburrida, lejana y complicada, este podcast les va a demostrar que no es así. ¡Bienvenidos! WEB: http://historiasdearte.com Síguenos en Instagram: @historiasdearte.enpodcast. Twitter: @historiasdeart1 Facebook: historias de arte en podcast
CREATIVO CLIPS
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Data Stories
A podcast on data and how it affects our lives — with Enrico Bertini and Moritz Stefaner
Joaquín Sorolla, ¿el mejor artista español contemporáneo?
Joaquín Sorolla fue el pintor que hizo de la luz uno de los instrumentos imprescindibles en sus obras, auténticas ventanas abiertas a la vida a orillas del Mediterráneo. Nació en Valencia en 1863, huérfano siendo todavía un bebé de dos años, junto a sus hermana Concha, marchó a casa de sus tíos. A los 13 años se matriculó en la Escuela de Artesanos de Valencia y posteriormente en la Escuela Superior de Bellas Artes de Valencia. Comenzó su andadura como pintor en concursos y exposiciones provinciales y nacionales. Con 18 años presentó en Madrid tres marinas que pasaron sin pena ni gloria, pero tras estudiar a Velázquez comenzó con su etapa realista y con 21 años, fue premiado ya con la Medalla de Segunda Clase en la Exposición Nacional por su Defensa del parque de artillería de Monteleón y con El crit del Palleter, fue becado por la Diputación de Valencia para viajar y seguir sus estudios en Roma, donde conoció el arte clásico y renacentista. Además, viajó a París junto a un compañero pintor, Pedro Gil, donde entró en contacto con el impresionismo. Tras su matrimonio con Clotilde (1888), se instalaron en Madrid y en cinco años su nombre creció hasta cotas inimaginables. Con 31 años, en su nuevo viaje a París, desarrolló el "luminismo", quizás muy influenciando por los autores nórdicos. A partir de este momento toda la obra de Sorolla se caracterizó por esto. Pinta ya siempre al aire libre, escenas cotidianas mediterráneas y siempre dominando la luz. Aquí llegan obras míticas como La vuelta de la pesca, La playa de Valencia, Triste herencia o Y aún dicen que el pescado es caro, ganando infinidad de premios internacionales. De Sorolla nos han quedado sus colores: el bermellón, el blanco plomo y el verde de Scheele. Su popularidad ya era internacional. Expuso sus obras en París, Berlín, Colonia, Londres y en Nueva York, entre otras ciudades americanas. Con sus obras Paseo a orillas del mar, El balandrito, Idilio en el mar y El baño del caballo, se convirtió en uno de los mejores artistas españoles contemporáneos, sino el mejor. Luego llegarían los 14 murales gigantes Visión de España de la Hispanic Society of America en Nueva York. Ponentes: Prof. Dr. Rafael Gil Salinas, Mª Ángeles Pérez, Javier Martínez, Clara Solves y María Roca.
Grandes obras de la Pintura Universal del Siglo XX
El arte del siglo XX se caracteriza por la gran variedad de movimientos y estilos. Entre los que tuvieron su origen en Europa antes de la II Guerra Mundial se encuentran el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el neoplasticismo, el dadaísmo y el surrealismo; en Estados Unidos se desarrollaron el sincronismo y el hiperrealismo. A partir de la II Guerra Mundial, los artistas de todo el mundo han desempeñado un importantísimo papel en la creación de nuevos estilos o en el desarrollo de los ya existentes. Entre ellos se encuentran el expresionismo abstracto, el Op Art y el Pop Art, el fotorrealismo y el minimalismo. Ponente: D. Amando García, profesor e historiador de arte
Grandes obras de la Pintura Universal del Siglo XIX. El Romanticismo
La pintura del siglo XIX responde a todos los quiebres históricos de la época. A principios del siglo la tendencia es el Neoclasicismo, que propone una belleza ideal y el culto a la antigüedad clásica, el racionalismo y el predominio de la línea. El Romanticismo, que promueve, en oposición al anterior, la pasión, lo irracional, lo imaginario, la exaltación, el color y el culto a la Edad Media y las mitologías de la Europa del Norte. Hacia mediados del siglo hay una vuelta al racionalismo, fruto del desarrollo industrial provocado por la Revolución Industrial y sus efectos secundarios, además de la frustración que produjeron los fracasos revolucionarios de 1848. Ponente: D. Amando García, profesor e historiador de arte
La cúpula de Brunelleschi de Florencia. Su construcción
Un 7 de agosto de 1420 se inició una construcción que cambió arquitectónicamente el mundo. ¿Cómo pudo Bruneslleschi, un mero orfebre, sin formación académica como arquitecto, construir una de las joyas más bellas del Renacimiento italiano y el gran símbolo de Florencia? La cúpula de la catedral de Santa Maria del Fiore, en Florencia, terminó de construirse en 1436. Sus suaves curvas y su ingeniería innovadora son un monumento a Filippo Brunelleschi, quien diseñó su obra maestra como dos cúpulas, una dentro de la otra. Aunque no son consideradas de una excepcional maestría pictórica, las escenas de El Juicio Final pintadas por Vasari y Zuccaro en la cúpula interior figuran entre las pinturas murales más grandes del mundo. Ponente: Prof. Dr. Adolfo Alonso Durá. Doctor Arquitecto. Profesor Titular de Cálculo de Estructuras en la Universidad Politécnica de Valencia
Grandes obras de la Pintura Universal del Siglo XVIII. Rococó y Neoclásico
Básicamente, el arte de siglo XVIII es el resultado de las ideas de La Ilustración, la cual afectaría todos los órdenes de la vida y, además, de la ruptura que se daría con el arte cortesano. El arte se hace más accesible y con menos pretensiones, ya no se expresa grandeza ni poder, se expresa la belleza de la vida. En el siglo XVIII la evolución del barroco lleva al rococó: la decoración se hace más densa y su estilo más movido. A finales del siglo XVIII se va a desarrollar el Neoclásico como reacción contra el Barroco y el Rococó. Se caracteriza como su nombre indica por su inspiración en las formas del arte clásico grecorromano. Ponente: D. Amando García, profesor e historiador de arte
La Arquitectura Valenciana en tiempos de Sorolla
Valencia tuvo un gran auge arquitectónico en tiempos del maestro Joaquín Sorolla (1863-1923). De hecho, la arquitectura valenciana tuvo una gran importancia gracias al estilo modernista: La Estación del Norte, el Mercado Central o el de Colón... Valencia es la ciudad española que acoge mayor volumen de obras modernistas debido al importante crecimiento de la ciudad a fines del XIX que propició la construcción del ensanche y la destrucción de las murallas medievales. La aparición del Modernismo fue un movimiento de ruptura con los estilos que habían llegado hasta esa época con la intención de encontrar otro más moderno, juvenil y funcional basándose en la utilización de nuevos materiales como el hierro, el cristal y los azulejos derivados de la evolución industrial. Este movimiento fue impulsado por una nueva clase: la burguesía, que quiso reivindicarse a través del arte. Se huye de la tradición, de los edificios robustos, se busca el movimiento…y el detalle fundamental es la ornamentación y la naturaleza. El Modernismo Valenciano se caracterizó por la exaltación de lo propio: la huerta, las falleras, las naranjas y los pescadores... esto se vio en las obras arquitectónicas con mosaicos de colores, esculturas y adornos florales. Ponente: Prof. Dr. Francisco Taberner Pastor, Doctor Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Valencia
Grandes obras de la Pintura Universal del Siglo XVII. Renacimiento
Sin duda el siglo XVII el Siglo de Oro de las artes en España como consecuencia de un momento dulce cultural. En el campo de la pintura, este siglo va a dar algunas de las más importantes artistas de todos los tiempos, no sólo de España, sino del arte occidental. La pintura barroca del Siglo de Oro en España tiene una serie de características más o menos comunes: Predominan los temas religiosos porque es el momento de la Contrarreforma, los pintores españoles reciben la influencia del tenebrismo de Caravaggio en el tratamiento de la luz, aunque luego lo abandonan, existe una deliberada ausencia de sensualidad en la pintura, el principal cliente de los pintores es la Iglesia de la época, excepto en el caso de Diego Velázquez y otros pocos pintores de la Corte. Ponente: D. Amando García, profesor e historiador de arte
Grandes obras de la Pintura Universal del Siglo XVI. Arte Renacentista
La cuna del arte renacentista fue Italia, donde algunas ciudades se vuelven artísticamente importantísimas, como Milán, y otras pierden la preponderancia de siglos anteriores. El hombre renacentista se inspira en la Antigüedad Clásica, es muy opuesto al hombre medieval, el humanismo medieval teocéntrico se convierte en antropocéntrico. El constante ideal del renacimiento consistía en la serena armonía de la formas. El arte se había centrado en la actividad del hombre, en su sensibilidad artística y en la unidad de una fe religiosa ardorosamente defendida (Reforma y Contrarreforma), y en el estudio y el pensamiento humanístico. Ponente: D. Amando García, profesor e historiador de arte
Grandes obras de la Pintura Universal del Siglo XV. Edad Media
Durante la Edad Media la sociedad poseía un marcadísimo carácter teocéntrico, lo que se vio plasmado en el arte de la época. El arte pictórico, al igual que las demás manifestaciones artísticas tenían como temas principales los de tipo religioso, cristiano. Se buscaba plasmar una belleza sensible dada por las formas, colores, composición, etc., y otra belleza invisible dada por el simbolismo. El arte se entendía como abstracción y manifestación de belleza divina, donde los rasgos no están del todo definidos, no asiéndose semejantes a la realidad sino una esquematización de ésta presentada como símbolo. Estaba basada en formas geométricas, se observa un marcado geometrismo y esquematización, lo que contrastaba con la herencia de la Antigüedad clásica. Las composiciones no son realistas. Ponente: D. Amando García, profesor e historiador de arte
El Modernismo en Europa
El modernismo floreció en toda Europa desde la década de 1880 hasta la Primera Guerra Mundial. Unas décadas donde la intención fue unificar las bellas artes y las artes aplicadas. Desde los muebles hasta las ilustraciones de los libros, todo se dejó influencias por estas formas orgánicas y elegantes. El modernismo estaba en todas partes en Europa, en las estaciones de tren, salones de té y grandes almacenes. El modernismo floreció durante un periodo de cambio social y tecnológico en Europa, en un momento en el que se aceleraban la industrialización, la producción en masa y la urbanización. Hoy en día, reconocemos el modernismo por sus características líneas fluidas, ornamentos florales, formas geométricas y uso de figuras simbólicas. Ponente: D. Amando García, profesor e historiador de arte
Obras maestras de la pintura del Quattrocento en Europa. Siglos clave en el arte
El Quattrocento es un período clave para el arte occidental. Digamos que es ahí donde nace el arte como lo conocemos hoy. El artista deja de ser anónimo. La edad media acaba y se empieza a valorar la antigüedad, el arte clásico griego y romano. Pero todos esos nuevos artistas e intelectuales no quieren sólo imitar esa época mítica. Lo quieren superar.
Sorolla en su casa. Museo Sorolla
La conferencia hizo un repaso de la Casa Sorolla (actual museo), una obra más del pintor valenciano en pleno Chamberí. Joaquín Sorolla se involucró en el diseño de la vivienda y de los jardines que encomendó al arquitecto Repullés, así como en su decoración. El palacete fue legado al Estado español. Sorolla se hace una vivienda elegante en la que vivió con su mujer Clotilde y sus tres hijos, María, Joaquín y Elena, de 1911 a 1923, año en el que fallece. El pintor valenciano se involucró mucho en el diseño de su palacete que se construyó con todos los lujos de aquella época como era la electricidad, baños o un eleva platos. Ponente: Blanca Pons-Sorolla, bisnieta del artista, patrona de la Fundación Museo Sorolla y presidenta de su Comisión Permanente.
Obras Maestras del Museo de Orsay. La colección más grande de obras impresionistas
Protegiendo la colección más grande de obras impresionistas en el mundo, el Museo de Orsay rebosa obras maestras de los artistas más grandes de esta corriente artística. Todos los artistas expuestos laboraron durante período del 1848 al 1914: de Mijo, a Van Gogh, pasando por Renoir, Manet, Monet o Gauguin. Amando García nos propuso una selección de obras emblemáticas de Orsay que no te puedes perder. Ponente: D. Amando García, profesor e historiador de arte
El Camino de Santiago. Sus grandes obras de arte y su arquitectura
El Camino de Santiago fue el eje vertebrador de la reconquista y se convirtió pronto en el conducto por el que se colaron en la península las vanguardias estéticas y culturales imperantes en el mundo occidental. Fue la gran contribución del Apóstol al desarrollo artístico y humanista de España. Primero llego el Románico. El arte más intelectual de la historia con sus líneas puras y sencillas, mas tarde estas órdenes monásticas francesas incorporaron el gusto por lo altivo y lo liviano del Gótico. El Barroco se encargaría mas tarde de recargarlo todo. Juntos y amalgamados, hacen de la Ruta Jacobea un completo libro de Historia del Arte. Ponente: D. Amando García, profesor e historiador de arte
El Gótico Tardío en Flandes
Ponencia que nos situó en el esplendor de Flandes, arte en Bruselas, Amberes y Malinas en los siglos XV y XVI. El extraordinario arte flamenco certifica el enorme desarrollo económico y el alto nivel artístico alcanzado por los Países Bajos meridionales durante los siglos XV y XVI, donde siempre había una gran oferta cultural y de artes visuales. Un periodo, además, de transición, en el que los modelos medievales comienzan a ser sustituidos por las revolucionarias aportaciones de los primitivos flamencos. Una época, en fin, capaz de producir piezas magistrales. Ponente: Luisa Silla Criado, médica, microbióloga, psicóloga clínica y licenciada en Historia y en Historia de Arte.